menganalisa lukisan dari kehidupan kita

Dalam rumusan ini, frasa “hanya jika” menandakan bahwa imitasi adalah

kondisi yang diperlukan untuk status seni. Jika kandidat untuk status seni tidak memiliki

properti menjadi tiruan dari sesuatu, maka itu bukan karya seni.

Bagi Plato dan Aristoteles, untuk menjadi sebuah karya seni membutuhkan

pertanyaan menjadi tiruan dari sesuatu. Tidak ada yang merupakan karya seni, kecuali itu

sebuah imitasi.

Hari ini, setelah hampir satu abad melukis abstrak, teori ini tampaknya

jelas palsu. Lukisan terkenal tertentu oleh Mark Rothko dan Yves

Klein tidak meniru apa pun — itu adalah bidang warna murni — namun

mereka dianggap sebagai karya utama seni abad kedua puluh. Dengan demikian,

teori bahwa seni adalah imitasi tampaknya gagal sebagai teori umum seni,

karena gagal untuk sepenuhnya komprehensif. Terlalu banyak dari apa yang kita ketahui

seni tidak memenuhi dugaan persyaratan yang diperlukan bahwa apa pun yang

seni menjadi tiruan.

Sejarah seni telah menunjukkan kepada kita bahwa teori seni terkait dengan Plato

dan Aristoteles terlalu eksklusif; itu menghadapi terlalu banyak pengecualian; gagal untuk

menganggap sebagai seni segala sesuatu yang kita anggap sebagai milik kategori

seni. Berjalan melalui hampir semua museum seni hari ini, dan Anda seharusnya bisa

untuk menemukan beberapa contoh tandingan dari teori ini.

Namun, untuk menghormati Plato dan Aristoteles, kita juga harus menambahkan bahwa

teori itu tidak jelas salah bagi mereka seperti halnya bagi kita, karena yang utama

contoh seni di zaman mereka adalah tiruan. Ketika mereka pergi ke

teater, atau ketika mereka pergi ke pembukaan patung baru, apa yang mereka

gergaji adalah tiruan dari pahlawan dan dewa dan orang-orang dan tindakan—potongan batu yang tampak seperti manusia, penari yang meniru tindakan manusia, dan

drama yang memerankan kembali peristiwa mitologis penting — seperti

penghancuran Rumah Atreus. Jadi, mengingat data yang dimiliki sejarah

menangani mereka, teori seni yang diprakirakan Plato dan Aristoteles adalah

cukup termotivasi oleh apa yang tersedia bagi mereka. Itu hanya melalui

manfaat dari melihat ke belakang bahwa kita bisa melihat seberapa jauh mereka. Jadi, pada zamannya sendiri, teori seni tiruan (mimetis) maju

oleh Plato dan Aristoteles memiliki beberapa kemungkinan awal. Itu bertepatan dengan

contoh dominan seni Yunani dan juga memberi tahu pembaca tentang apa

untuk mencari dan mengapresiasi seni sezamannya, yaitu

ketelitian. Artinya, teori Plato dan Aristoteles memiliki

sesuai dengan data; itu melakukan pekerjaan yang masuk akal untuk setidaknya memilih apa yang ada

penting—atau, mungkin, paling penting—dalam praktik artistik Yunani.

Karena keberhasilan awal teori ini, teori ini diulang di Barat

tradisi selama berabad-abad. Teori menjadi sangat penting dalam

abad kedelapan belas, karena pada saat itulah para ahli teori mulai

mengkodifikasikan sistem seni rupa modern kita.

Apa yang dimaksud dengan “sistem seni rupa?” Di sini, apa yang kita miliki

pikiran adalah cara mengelompokkan praktik-praktik tertentu—seperti melukis dan puisi—

ke dalam kategori yang berbeda dari praktik lain—seperti astronomi dan

kimia. Sebelum abad kedelapan belas, praktik dikelompokkan dalam a

sejumlah cara yang berbeda. Musik dan matematika, misalnya, mungkin

ditempatkan dalam kategori yang sama. Namun, pada abad kedelapan belas, suatu

cara pengelompokan berbagai praktik menjadi kanonik. Lukisan, puisi,

tari, musik, drama, dan seni pahat kemudian dianggap sebagai seni rupa—

seni dengan huruf kapital A. Ini adalah praktiknya, dengan tambahan

beberapa lainnya, seperti film, yang saat ini kami harapkan untuk dicantumkan di bagian

buletin perguruan tinggi yang ditujukan untuk program seni; dan ini adalah jenisnya

dari hal-hal yang kami harapkan terwakili di pusat-pusat seni. Kami tidak berharap untuk

temukan model skala stasiun luar angkasa di sana. Saat ini cara pengelompokan seni ini tampak alami bagi kita. Tapi itu tidak

selalu begitu. Baru pada abad kedelapan belas cara ini

mengklasifikasikan aktivitas yang relevan menjadi lebih atau kurang tetap. SEBUAH

teks yang sangat penting dalam mewujudkan ini adalah Seni Rupa

Direduksi menjadi Prinsip Tunggal, yang ditulis oleh orang Prancis

Charles Batteux pada tahun 1747. Perhatikan bahwa judul buku ini menunjukkan bahwa 

praktek-praktek dalam kelompok yang disebut seni rupa tidak terhimpun

slinger; mereka tidak disatukan di bawah judul yang sama secara sewenang-wenang.

Sebaliknya, dikatakan bahwa ada satu prinsip yang semua yang bersangkutan

kegiatan dapat dikurangi. Dan apa prinsip itu? Imitasi.

Batteux menulis, “Kami akan mendefinisikan lukisan, patung, dan tari sebagai

imitasi alam yang indah disampaikan melalui warna, melalui relief dan

melalui sikap. Dan musik dan puisi adalah tiruan dari alam yang indah yang disampaikan melalui suara, atau melalui wacana yang terukur.” Untuk

Batteux, keanggotaan dalam sistem seni rupa mengharuskan a

praktek memenuhi syarat tertentu yang diperlukan, yaitu bahwa hal itu menjadi tiruan.

Dalam hal ini, Batteux mengartikulasikan praanggapan yang dijunjung tinggi di

abad kedelapan belas — seni itu, seperti yang kita sebut, pada dasarnya harus didefinisikan dalam

istilah gagasan imitasi Platonis-Aristoteles.

Pada awalnya, mungkin tampak aneh bagi Anda bahwa karakterisasi ini bisa

pernah dipegang. Anda mungkin bertanya-tanya, misalnya, bagaimana musik bisa

dianggap sebagai seni tiruan. Di sini, para ahli teori berpendapat tidak hanya

bahwa musik dapat meniru suara indah di alam—seperti kicau burung dan

guntur—tapi, yang lebih penting, itu bisa meniru suara manusia,

misalnya, dalam percakapan yang bersemangat.

Demikian pula, meskipun banyak tarian, seperti tarian pergaulan, tidak muncul

peniru, ahli teori abad kedelapan belas, pada dasarnya reformis, menganjurkan

bahwa tarian teatrikal—menari sebagai seni—menjadi meniru, mengikuti

Filosofi drama Aristoteles, untuk bergabung dengan sistem modern

karya seni; hasilnya adalah balet d'action, yang mendominasi tarian

tahap abad kesembilan belas. Selain itu, komitmen untuk meniru

juga mendorong pelukis yang serius (pelukis yang berdedikasi untuk membuat seni dengan a

modal A) untuk melanjutkan pengejaran mereka akan prestasi realisme yang lebih besar dan lebih besar

(upaya untuk memperkirakan penampilan persepsi hal-hal sebagai

sedekat mungkin).

Dengan demikian, karena beberapa alasan, otoritas teori imitasi seni

bertahan hingga abad kesembilan belas. Seorang pendukung teori bisa

masih mengklaim bahwa teori seni imitasi melakukan pekerjaan yang baik untuk menggambarkan yang ada

disebut seni dengan tepat, karena sebagian besar yang paling menonjol

contoh lukisan, drama, opera, tari, patung dan sebagainya adalah tiruan

(jika saja, dalam beberapa kasus, karena praktisi bercita-cita untuk memenuhi kriteria

diperlukan untuk keanggotaan dihargai dari sistem seni rupa). Dan sebagai

nah, ada juga teori—seperti pandangan bahwa musik meniru

suara manusia—yang memungkinkan contoh tandingan yang jelas dijelaskan.

Memang, pengaruh teori imitasi seni masih dapat ditemukan di

abad kedua puluh: sampai hanya satu generasi yang lalu, orang bisa mendengar orang berkata

dari lukisan abstrak bahwa itu bukan seni karena tidak terlihat seperti apa pun.

Dan bahkan hari ini, beberapa orang akan mengatakan bahwa film tertentu bukanlah seni karena itu

tidak memiliki cerita—yaitu, karena itu bukan tiruan dari tindakan.

Tentu saja, pandangan seperti ini saat ini dianggap sebagai filistin—the

pendapat orang yang tidak tahu tentang seni dan, sayangnya, tidak malu

dengan menunjukkan ketidaktahuan mereka. Tapi ketidaktahuan itu tidak datang dari

tidak ada tempat. Ini adalah residu dari teori seni imitasi, teori mana, sampai

abad kesembilan belas memiliki, seperti yang telah kami tunjukkan, beberapa empiris

kredibilitas. Beberapa hal, bagaimanapun, telah terjadi sejak itu untuk

meruntuhkan teori dengan tegas. Pada akhir abad kesembilan belas dan awal abad kedua puluh, seni visual

jelas mulai menyimpang dari tujuan meniru alam. Seni visual

berangkat dari tujuan menyalin bagaimana hal-hal terlihat; fotografi bisa dilakukan

itu. Pelukis ekspresionis Jerman berhenti mencoba menangkap dengan tepat

melihat hal-hal dan, sebaliknya, mendistorsi mereka untuk efek ekspresif. Kubisme,

pelukis aksi, dan minimalis menyimpang dari alam lebih jauh sampai

akhirnya membuat lukisan yang referensinya, jika ada, sepenuhnya

tidak dapat dikenali menjadi tradisi yang dominan. Pertimbangkan, misalnya,

karya Josef Albers, yang kosakatanya terdiri dari kotak warna.

Contoh-contoh seni modern ini membantah teori seni imitasi sebagai

dugaan filosofis umum, karena mereka menunjukkan sesuatu dapat menjadi

karya seni yang bukan tiruan. Selain itu, contoh-contoh ini juga mengarah

kita untuk melihat kembali tradisi seni rupa. Teori imitasi

mengklaim bahwa semua seni adalah tiruan. Seni di abad kedua puluh menunjukkan bahwa

teori itu salah. Tetapi contoh-contoh tandingan ini juga mendorong kita untuk mengambil

pandangan kedua pada sejarah seni dan untuk menanyakan apakah teori imitasi itu

pernah akurat. Merenungkan contoh-contoh seni abad kedua puluh, saya

berpikir kita cenderung menyadari bahwa teori imitasi tidak pernah mendapatkannya

cukup benar. Seni minimalis, misalnya, mengingatkan kita bahwa ada

selalu seni visual dari desain visual murni, dari karpet dan tembikar hingga

teks iluminasi dan pola dinding Islami. Sejarah visual murni

dekorasi sama lama dengan sejarah figurasi.

Demikian pula, setelah diperingatkan akan kekhilafan teori imitasi dengan—

sehubungan dengan seni visual, kita perlu mempertimbangkan kembali kasus musik. Apakah musik?

benar-benar meniru? Di masa lalu, ketika musik terutama melayani

fungsi kata-kata pengiring—dalam opera dan nyanyian religi, untuk

contoh— seseorang mungkin tergoda untuk mengasimilasi musik ke

seni meniru. Tetapi dengan kemenangan musik simfoni—murni

musik orkestra—pada awal abad kesembilan belas, generalisasi

bahwa semua musik adalah representasional tidak lagi dapat dipertahankan, jika memang pernah ada,

karena ada musik nonvokal — pawai dan pengiring tari —

sebelum simfoni Romantis. Demikian juga, drama modern tidak hanya memiliki

menyimpang dari peniruan aksi—dalam drama Futuris seperti Giacomo

Balla's To Understanding Weeping —menimbulkan tontonan seperti mimpi

Robert Wilson, tetapi juga mengingatkan kita pada sejarah nonimitative

pertunjukan, termasuk banyak ritual dan prosesi. Dan postmodern

tari, dengan penekanannya pada persepsi gerakan untuk kepentingannya sendiri,

mengingatkan kita bahwa banyak tarian, termasuk pengalihan balet, tidak

meniru, melainkan mengeksplorasi kemungkinan kinerja manusia.

Selanjutnya, begitu kita mulai membuat lubang dalam teori imitasi—

seni, kami menyadari bahwa itu tidak pernah benar-benar mencirikan sastra secara memadai.

Sejak Plato dan Aristoteles memikirkan sastra dalam hal dramatis

puisi, mudah untuk melihat mengapa mereka mengira itu meniru—itu melibatkan aktor yang meniru ucapan karakter. Bahkan puisi lirik diucapkan dengan lantang

dapat dicirikan dengan cara ini. Tapi begitu kita mulai memikirkan sastra di

hal novel dan cerita pendek, gagasan bahwa itu adalah tiruan, di mana

imitasi melibatkan menyalin atau mensimulasikan penampilan, menjadi tegang.

Karena novel terdiri dari kata-kata, dan kata-kata tidak terlihat seperti mereka

referensi. Kata-kata yang menggambarkan Holden di The Catcher in the Rye do

tidak secara perseptual mensimulasikan siapa pun.

Untuk mengatasi masalah ini, dan lainnya, teman Platonis-

Teori Aristotelian mungkin berhenti berbicara dalam hal peniruan demi

perwakilan. Yang dimaksud dengan representasi di sini adalah sesuatu yang dimaksudkan

untuk berdiri untuk sesuatu yang lain dan yang diakui oleh penonton seperti itu. SEBUAH

potret, misalnya, dimaksudkan untuk mewakili siapa pun potret itu, dan

pemirsa mengenalinya seperti itu. Ini, tentu saja, adalah contoh imitasi, dan

imitasi adalah subkategori representasi. Namun, pengertian

representasi lebih luas, karena sesuatu juga dapat mewakili sesuatu yang lain

tanpa terlihat seperti itu. Misalnya, fleur-de-lys dapat mewakili kerajaan

rumah Bourbon tanpa menyerupai itu.

Selain itu, dengan berbicara tentang representasi daripada imitasi, dipahami

secara harfiah, ahli teori Platonis-Aristoteles dapat menangani masalah

literatur, sejak deskripsi Pertempuran Borodino dalam Perang dan Damai

mewakilinya tanpa benar-benar menyalinnya. Demikian juga, banyak abad kedua puluh

abstraksi dalam seni visual, seperti lukisan Mondrian, mewakili

sesuatu—seperti realitas tertinggi—tanpa menerjemahkannya secara literal

penampilan.

Merekonstruksi teori imitasi seni sebagai teori representasional

seni menghasilkan posisi umum yang lebih besar, karena konsep representasi

lebih luas dari konsep imitasi. Tetapi bahkan dengan tambahan ini

luasnya, teori representasi seni tetap tidak dapat diselamatkan, karena

banyak seni yang tidak representatif.

Dinyatakan secara rumus, x mewakili y (di mana y berkisar pada domain

terdiri dari objek, orang, peristiwa dan tindakan) jika dan hanya jika (1) seorang pengirim

bermaksud x (misalnya, gambar) untuk mewakili y (misalnya, tumpukan jerami) dan (2) penonton

menyadari bahwa x dimaksudkan untuk mewakili y.

Tetapi ada banyak karya seni yang bukan representasi dalam pengertian ini.

Pertimbangkan arsitektur: banyak bangunan terbaik dalam sejarah tidak

dimaksudkan untuk berdiri untuk sesuatu. Katedral St. Peter di Roma tidak

berdiri untuk rumah Tuhan; itu adalah rumah Tuhan. Demikian pula Gedung Capitol

di Washington, D.C. tidak mewakili badan legislatif; itu menampung

badan legislatif. Teori seni representasional dapat menyediakan sarana untuk

menggabungkan banyak literatur di bawah rubrik seni, tetapi masih menyisakan banyak

arsitektur dari jenis yang cenderung kita anggap sebagai seni di luar kategori. Dengan demikian,

teori seni representasional, seperti teori seni imitasi, juga

eksklusif untuk dijadikan sebagai teori umum seni. Tentu saja, masalah dengan teori seni representasional bukanlah

hanya karena itu mengecualikan terlalu banyak arsitektur dari kategori seni. Juga

mengecualikan contoh seni yang penting dan jelas dari setiap seni lainnya

genrenya juga. Beberapa musik orkestra mungkin bersifat representasional, tetapi sebagian besar adalah

bukan. Beberapa lukisan abstrak pada dasarnya adalah latihan formal yang mewakili

tidak ada, dan bahkan ada lagu dan puisi seperti ini. Dan ada juga

film abstrak, video, foto, tarian, dan bahkan karya teater

(seni pertunjukan) yang tidak berarti apa-apa, tetapi disajikan sebagai kesempatan untuk

pengalaman persepsi yang terkonsentrasi. Contoh-contoh ini terutama modern di

asal. Namun teori seni representasional tidak hanya dibantah oleh kaum modern

contoh. Karena seperti yang telah kami tunjukkan, seni dekoratif di seluruh

usia memberikan banyak contoh tandingan—karya yang berbasis 

permainan bentuk yang menyenangkan, tidak mewakili apa pun.

Pendapat saya adalah Istilah representasi di dalam filsafat seni
memiliki makna khusus yaitu merupakan perluasan dari kata mimesis yang berarti
imitasi. Mimesis merupakan teori awal filsafat seni yang telah dipergunakan
dalam berbagai variasi oleh para filsuf seni, yaitu, kemiripan,
salinan, dan juga representasi. Filsafat seni Susanne K. Langer membahas
teori seni secara umum, dan belum membahas problem representasi piktorial.
Problem representasi piktorial mengemuka setelah filsafat seni Langer
terbentuk, maka Langer belum mempergunakan istilah representasi piktorial.
 Setelah diketemukan pemikiran representasi piktorial Langer, maka
peneliti mempergunakannya untuk menginterpretasi penggambaran bentuk wayang
purwa. Penelitian ini merupakan penelitian kepustakaan, mempergunakan
pendekatan hermeneutika, dengan mempergunakan unsur metodis : deskripsi,
koherensi interen, kesinambungan historis, bahasa inklusif atau analogal, dan
heuristika.  Langer memulai dari konsep yang mendasari semua seni,
yaitu: ekspresi, kreasi, dan bentuk yang saling berinterelasi. Masing-masing
seni menciptakan ilusi primernya sendiri-sendiri, dan ilusi primer dari seni
piktorial adalah ruang virtual. Langer mengadopsi teori Gestalt dalam
menjelaskan proses penciptaan seni. Setiap seni memiliki bentuk analog dengan
simbol, maka disebut sebagai simbol presentasional. Seni bersumber dari intuisi
bukan dari rasio. Penciptaan gambar sebagai simbol presentasional berlangsung
melalui proses pencarian bentuk proyeksi yang sesuai dengan perasaan yang
dieskpresikan, melalui proses abstraksi.